Formations-conseils

1. Peut-on donner des cours en étant simplement “artiste déclaré” ?

La réponse courte : Non, pas vraiment.
En France, être « artiste » n’est pas un statut qui permet d’émettre des factures ou d’encaisser légalement des prestations.

Il n’existe qu’un cadres administratif possible :

✔️ A. Artiste-auteur (Maison des Artistes / Urssaf artistes-auteurs)

Ce statut concerne la création artistique originale : œuvres graphiques, littéraires, musicales, photographiques, etc.

Il permet de vendre ses œuvres, mais PAS d’exercer des activités d’enseignement.

Important : Le statut d’artiste-auteur n’autorise pas l’enseignement (cours, stages, masterclass payantes).

Pour donner des cours, il faut obligatoirement compléter avec un statut commercial ou libéral.

2. Le statut le plus simple pour donner des cours : la micro-entreprise (auto-entrepreneur)

C’est la voie la plus simple, la plus rapide et la plus adaptée pour commencer à donner des cours d’art.

👉 Pourquoi ce statut est idéal pour un jeune artiste-formateur ?

• Inscription gratuite et en quelques minutes.
• Comptabilité simplifiée au maximum.
• Cotisations sociales proportionnelles au chiffre d’affaires.
• Possibilité de facturer particuliers, associations, entreprises, écoles, mairies.
• Émission de factures simple et légale.
• Statut accepté pour donner cours, stages, ateliers, prestations diverses.

👉 Quel code d’activité choisir ?

Pour des cours artistiques :

• Code APE 8552Z – Enseignement culturel
  ou
• Code APE 9003B – Autres activités artistiques (si mix enseignement + production artistique)

Les deux fonctionnent, mais pour un artiste qui enseigne, le 8552Z reste le plus clair.

3. Micro-entreprise + Artiste-Auteur : est-ce compatible ?

Oui, très.
C’est même le combo gagnant pour 80 % des artistes qui enseignent.

• Artiste-auteur → pour vendre ses créations (oeuvres, illustrations, droits d’auteur).
• Micro-entrepreneur → pour les cours, stages, formations, prestations pédagogiques.

Les deux régimes sont légaux, compatibles et souvent cumulés.

4. Quel statut conseiller à un jeune artiste qui démarre ?

👉 Cas 1 : Il veut seulement donner des cours (et pas vendre ses œuvres)

➡️ Micro-entreprise uniquement.
Simple, rapide, efficace.

👉 Cas 2 : Il crée et vend des œuvres + donne des cours

➡️ Double statut : Artiste-Auteur + Micro-entrepreneur
C’est le montage le plus professionnel et le plus optimisé.

👉 Cas 3 : Il veut faire de la formation professionnelle et monter son OF

➡️ Micro-entreprise au début
➡️ Puis création d’une structure juridique (SASU, EURL, association, coopérative) dès que :

• Il souhaite salarier d’autres intervenants
• Il veut obtenir le Numéro d’activité + Qualiopi
• Les revenus deviennent réguliers et importants

5. Et les cotisations ? TVA ? Obligations comptables ?

Juste un aperçu (les prochains articles détailleront chaque partie) :

En micro-entreprise :

• Comptabilité ultra simple : un livre des recettes suffit
• Pas de TVA tant que vous restez sous franchise
• Charges : environ 21 % du chiffre d’affaires
• Facturation obligatoire même aux particuliers
• Déclaration mensuelle ou trimestrielle du CA

En artiste-auteur :

• Déclarations à l’Urssaf artistes-auteurs
• Charges : environ 15 % (hors impôts)
• TVA possible ou franchise

6. Ce qu’un jeune artiste doit absolument éviter

❌ Donner des cours “au noir”

Gros risques : redressements, amendes, travail dissimulé.

❌ Utiliser le statut artiste-auteur pour facturer des stages

Illégal. Et souvent détecté lors des contrôles.

❌ Oublier qu’un statut se choisit aussi en fonction du projet

Donner 3 cours par mois = micro-entreprise.
Créer un OF = structure juridique solide.

Quel statut choisir pour commencer ?

➡️ Le meilleur conseil : commencer simple — micro-entreprise — puis compléter selon l’évolution.

• C’est légal
• C’est rapide
• C’est adapté aux petits revenus comme aux débuts modestes
• C’est totalement compatible avec la vocation artistique
• C’est la solution idéale pour un jeune artiste qui veut enseigner son art proprement, légalement et sans prise de tête.

1. Ta formation n’est pas un “one shot”, c’est un produit évolutif

Une formation n’est jamais “finie”.
Elle vit, se corrige, se renforce, s’adapte.

En pensant long terme, tu prévois :

• des mises à jour régulières de tes cours,
• des évolutions du programme,
• de nouveaux modules à lancer selon la demande,
• des supports à enrichir (fiches, vidéos, exercices).

C’est ce qui transforme un cours amateur en offre professionnelle.

2. Construire une marque plutôt qu’un cours isolé

Un atelier, c’est éphémère.
Une marque personnelle, c’est durable.

Penser long terme implique de :

• définir ton univers (valeurs, message, style),
• choisir une identité visuelle cohérente,
• construire une présence régulière sur ton réseau principal (Instagram, TikTok, YouTube…),
• adopter une ligne éditoriale claire.

Tu n’enseignes pas seulement une technique :
tu deviens une référence dans ton domaine.

3. Miser sur les relations, pas uniquement sur les ventes

Les jeunes artistes ont tendance à courir après les inscriptions.
Les professionnels, eux, cultivent leur communauté.

Le long terme, c’est :

• répondre aux messages,
• suivre les anciens élèves,
• créer un groupe privé ou une newsletter,
• offrir de temps en temps des contenus gratuits utiles.

Ce sont ces liens qui remplissent tes cours durablement :
la confiance nourrit les inscriptions.

4. Prévoir ton développement en étapes

Penser long terme, ce n’est pas tout faire d’un coup.
C’est prévoir une trajectoire réaliste, par exemple :

• Premiers ateliers en petit groupe
• Création d’un programme complet
• Mise en place d’un site web
• Lancement de formations en ligne
• Constitution d’un réseau ou d’un label personnel
• Création d’un catalogue de formations

Chaque étape consolide la suivante.
C’est comme bâtir une maison : on ne commence pas par le toit.

5. S’organiser comme une micro-entreprise

Un artiste qui veut enseigner devient aussi :

• gestionnaire
• communicant
• responsable de la qualité
• chef d’entreprise

Penser long terme, c’est :

• mettre en place des outils (planning, CRM simple, suivi des élèves),
• garder les traces de tes cours et retours d’élèves,
• optimiser tes prix,
• anticiper la saisonnalité (moins d’inscriptions en été, par exemple).
• Une bonne organisation = moins de stress + plus d’impact.

6. Accepter que la progression soit progressive

L’une des clés du long terme, c’est la patience stratégique.

Tu vas avoir :

• des mois faibles et des mois très forts,
• des cours qui cartonnent et d’autres moins,
• des élèves qui resteront fidèles et d’autres qui passeront une fois.

Ce n’est pas un échec : c’est le fonctionnement normal d’une activité pédagogique.
L’important, c’est la régularité dans tes efforts.

7. Voir ton art comme un investissement

Ton expérience, ta maîtrise technique, tes cours, ta communauté…
tout cela forme un capital artistique.

Penser long terme, c’est :

• documenter ton travail,
• archiver tes projets,
• enregistrer tes exercices,
• garder les traces de ton évolution.

Dans 3 ans, ce capital te permettra de :

• créer un gros programme,
• publier un livre,
• monter une exposition pédagogique,
• ouvrir ton propre centre de formation,
• ou vendre des formations en ligne à grande échelle.

Enseigner ton art est un marathon, pas un sprint

Penser long terme, c’est te donner les moyens de vivre réellement de ton art.
C’est une stratégie qui transforme :

un atelier ➜ en activité
un cours ➜ en produit
un artiste passionné ➜ en formateur professionnel
un rêve ➜ en structure durable

🎯 Pourquoi un contenu régulier est indispensable quand on est artiste-formateur ?

1️⃣ Parce que vos élèves potentiels doivent vous “voir” pour vous choisir

Le web est saturé. Un futur élève a besoin de vous voir plusieurs fois, sous différents formats, pour vous mémoriser puis vous faire confiance.

Un contenu régulier permet :

• de rester visible dans les algorithmes (réseaux sociaux, YouTube, Google),
• de rassurer : “Cette personne est active, elle s’investit, elle est stable.”
• de donner une image professionnelle : vous êtes fiable, sérieux, passionné.

2️⃣ Parce que l’art attire… mais la pédagogie fidélise

Un artiste attire par son univers.
Un formateur fidélise par sa générosité.

Publier régulièrement des contenus pédagogiques – même courts – montre que vous savez transmettre.
Et un élève ne paye pas pour un artiste : il paye pour un pédagogue.

3️⃣ Parce que cela construit votre communauté

Un contenu régulier crée une relation.
Les gens commentent, partagent, reviennent… et finissent par devenir élèves.

Votre communauté est votre meilleur argument commercial et votre meilleure sécurité.

🧩 Quel type de contenus publier quand on est artiste-formateur ?

Vous n’avez pas besoin de devenir influenceur. Essayez simplement d’être utile, inspirant ou instructif.
Voici les formats les plus faciles et efficaces :

✔️ 1. Les coulisses de votre travail (photo ou vidéo)

• • travail d’atelier
  • préparation de cours
  • matériel utilisé
  • astuces métier

Les gens adorent voir l’envers du décor.

✔️ 2. Mini-démonstrations pédagogiques

30 secondes suffisent pour montrer :

• • une technique
  • un geste
  • une astuce
  • une erreur fréquente à éviter

C’est le format le plus engageant pour des élèves potentiels.

✔️ 3. Contenus théoriques simples

Un carrousel, un post ou une courte vidéo expliquant :

• • un terme artistique
  • un principe de base
  • un concept clé

Cela vous positionne comme formateur.

✔️ 4. Témoignages d’élèves

Courts, sincères, vrais.
C’est extrêmement rassurant pour les nouveaux.

✔️ 5. Présentation de vos offres

Régulièrement rappeler :

• • vos dates d’ateliers
  • vos cours en ligne
  • vos stages
  • vos formations certifiantes (si vous en proposez)

On oublie souvent de vendre.
Votre audience aussi.

🗓️ Comment tenir la régularité sans y passer votre vie ?

C’est le point qui bloque 90 % des artistes. Voici la méthode simple des formateurs qui durent.

✏️ 1. Choisissez un rythme réaliste

Pas besoin de publier tous les jours.
Ce qui compte n’est pas la fréquence élevée, mais la stabilité.

Quelques repères efficaces :

• • 1 post par semaine → suffisant pour débuter
  • 2 à 3 posts par semaine → excellent pour se développer
  • 1 newsletter par mois → indispensable pour la fidélisation

📚 2. Préparez vos contenus par “lots”

Une fois par semaine, consacrez 1 heure à créer :

• • 2 photos d’atelier
  • 1 mini-vidéo
  • 1 post pédagogique

Vous aurez votre semaine prête.

📅 3. Planifiez avec un outil (gratuit)

• • Facebook Creator Studio
  • Canva Scheduler
  • Notion
  • Buffer (gratuit jusqu’à 3 comptes)

La planification enlève 80 % du stress.

♻️ 4. Réutilisez vos contenus

Un même sujet peut devenir :

• • une vidéo courte
  • un post Instagram
  • un article de blog
  • une newsletter
  • un extrait pour Facebook

C’est ce que font tous les professionnels.

🧘 5. Soyez indulgent avec vous-même

Vous êtes artiste. Vous avez des contraintes créatives, émotionnelles, matérielles.
Si une semaine saute, ce n’est pas grave.
L’important est de revenir, pas d’être parfait.

🌟 Que se passe-t-il quand vous publiez régulièrement ?

Après 1 à 2 mois, vous verrez les premiers effets :

• plus d’interactions,
• plus d’abonnés,
• des questions privées,
• des demandes d’informations sur vos cours.

Après 3 à 6 mois :

• des élèves réguliers,
• des inscriptions spontanées,
• des possibilités de partenariats,
• une vraie crédibilité.

Après 1 an :

• vous devenez une référence dans votre niche artistique.
• Le contenu régulier n’est pas un gadget : c’est un levier de carrière.
•  

Un artiste visible est un artiste qui transmet

Pour réussir dans la formation artistique, vous n’avez pas besoin d’être un génie du marketing.
Vous avez besoin de discipline douce, de méthode, et surtout d’une présence régulière.

• Chaque contenu publié ouvre une porte.
• Chaque semaine régulière construit votre image.
• Chaque mois améliore votre rentabilité.

Le contenu régulier, c’est votre allié. C’est lui qui travaille pour vous pendant que vous créez, que vous enseignez ou que vous dormez.

Les demandeurs d’emploi peuvent s’appuyer sur plusieurs dispositifs principaux :

• Le Compte Personnel de Formation (CPF), utilisable même sans expérience professionnelle préalable, pour toutes les formations certifiantes inscrites au Répertoire national des certifications professionnelles (RNCP), y compris création d’entreprise et certains permis de conduire.
• Les Actions de Formation Conventionnées (AFC) et la Préparation Opérationnelle à l’Emploi Individuelle (POEI), qui répondent à des besoins définis par les bassins d’emploi ou les entreprises.
• Le Conseil régional peut également financer des actions collectives ou, plus rarement, individuelles selon les territoires.

​

L’Aide Individuelle à la Formation (AIF) existe-t-elle toujours ?

Oui, en 2025, l’AIF reste accessible aux demandeurs d’emploi souhaitant financer une formation non conventionnée mais en lien direct avec un projet validé avec France Travail. Elle vient en complément du CPF : si les droits CPF sont insuffisants pour couvrir le coût total d’une formation, l’AIF peut être sollicitée pour abonder. L’instruction du dossier nécessite l’accord du conseiller référent.

​
Quid de l’AIRE2 ?

Aucune mention récente n’a été trouvée sur l’AIRE2 dans les textes de 2025, laissant supposer que ce dispositif n’est pas actuellement proposé parmi les principaux financements listés par France Travail et les sites officiels. Les dispositifs mis en avant sont l’AFC, la POEI, le CPF et l’AIF.

​
Ce qu’un demandeur d’emploi peut espérer pour une reconversion

Un demandeur d’emploi motivé par une reconversion professionnelle bénéficie donc :

• D’un accès à un catalogue de plusieurs milliers de formations éligibles (métiers en tension, numérique, industrie, bâtiment, santé, alimentaire, etc.).
• ​De la possibilité de faire cofinancer une formation par son CPF plus, au besoin, l’AIF ou l’aide du Conseil régional.
• ​De parcours d’accompagnement personnalisés proposés par France Travail, visant à sécuriser le projet (bilan de compétences, validation de projet, orientation vers des formations qui recrutent réellement).
• D’aides spécifiques pour les publics prioritaires (jeunes, seniors, personnes en situation de handicap, bénéficiaires de minima sociaux, etc.).

​

Selon les cas, d’un maintien partiel de l’indemnisation chômage pendant la formation, sous réserve d’éligibilité au statut de stagiaire de la formation professionnelle.

​

En synthèse, les demandeurs d’emploi conservent en 2025 des droits conséquents à la formation grâce à France Travail, principalement à travers le CPF, l’AFC, la POEI et l’AIF. L’accompagnement du conseiller et le choix de formations certifiantes adaptées au marché restent des points clés pour maximiser les financements et les succès de reconversion.

Commençons par chercher quelles images symbolisent les Arts et les Sciences

👉 Dans la recherche  d’« image des Arts », il n’existe pas une seule représentation, mais plusieurs symboles récurrents qui, selon les époques et les contextes (académiques, culturels ou institutionnels), incarnent l’esprit des arts dans leur ensemble.

Faisons un panorama clair, utile pour trouver une image emblématique qui pourrait convenir  pour : un logo, une affiche ou un concept « Arts & Sciences ».

🎨 1. Voyons dans les classiques

⚛️ 2. Voyons quelque chose de plus moderne : l’art comme énergie créative

Depuis le XXᵉ siècle, il semble que l’image des arts s’est désacralisée pour devenir universelle et dynamique.

Voici quelques tendances visuelles marquantes, 

• La spirale ou l’onde : symbolise la créativité en mouvement, l’expansion, la transformation — un pont entre art et science.
• L’empreinte de main : humanité, expression individuelle, authenticité (souvent utilisée pour des projets pédagogiques ou collectifs).
• La lumière / le prisme / la couleur : évoque la diversité des disciplines, l’ouverture, la perception.
• Le cerveau stylisé ou le motif neuronal : employé dans les contextes “Arts & Sciences” pour symboliser le lien entre intuition et cognition.
• Les formes géométriques imbriquées : traduisent la rencontre entre raison (science) et sensibilité (art).

🧠 3. L’objectif est de représenter les “Arts & Sciences” ensemble

Voici les combinaisons visuelles les plus efficaces (et lisibles par un grand public) :

🌍 4. Qu’est-ce qui se fait aujourd’hui : Symboles contemporains et institutionnels

• UNESCO utilise souvent la colonne stylisée ou la main tenant le monde pour évoquer culture et science.
• Les Beaux-Arts de Paris emploient le profil d’Apollon stylisé.
• Les centres “Arts & Sciences” modernes (Ars Electronica, ArtScience Museum, etc.) optent pour des formes abstraites lumineuses ou fractales : c’est la traduction graphique du “croisement des savoirs”.

✨Résumons

1. Présentation du projet

• Nom / Signature à faire apparaître :
  (Nom, initiales, pseudonyme ou nom de plume)
• Activité principale :
  (Ex. : journaliste scientifique, critique d’art, auteur, enseignant, vulgarisateur)
• Objectif du logo :
  (Identifier mes articles, créer une marque personnelle, être reconnu visuellement, etc.)
• Support(s) d’utilisation :
  (Articles publiés, blog, revue, réseaux sociaux, carte de visite, signature mail, couverture de dossier…)

2. Positionnement et identité

Valeurs à transmettre :
(Rigueur, curiosité, sensibilité, créativité, esprit critique, pédagogie…)

Tonalité souhaitée :
☐ Sérieuse / académique
☐ Créative / artistique
☐ Éditoriale / journalistique
☐ Poétique / symbolique
☐ Minimaliste / contemporaine
☐ Autre : ……………………………………

Public visé :
(Lecteurs, étudiants, institutions culturelles, grand public…)

3. Univers “Arts & Sciences”

Équilibre souhaité entre Art et Science :
☐ Majoritairement Art
☐ Majoritairement Science
☐ 50 / 50
☐ Alternance selon les contextes

Références visuelles :
(Exemples de logos ou styles aimés : Espace des Sciences, Cornell, Académie des Arts & Sciences, etc.)

Symboles possibles :
(Ex. : atome stylisé, compas, spirale, plume, forme géométrique, lumière, couleur, mouvement…)

Ce qu’il faut éviter :
(Clichés visuels : palette + atome, surcharges, trop technologique, etc.) 

4. Direction visuelle

Typographie :
☐ Avec empattements (classique)
☐ Sans empattements (moderne)
☐ Manuscrite / calligraphiée
☐ Autre : ……………………………………

Palette de couleurs :
☐ Neutres (noir, gris, blanc)
☐ Chaudes (ocre, rouge, or)
☐ Froides (bleu, vert, argent)
☐ Bicolore contrastée
☐ Monochrome
☐ Autre : ……………………………………

Forme dominante :
☐ Ronde / organique
☐ Carrée / structurée
☐ Abstraite
☐ Symbolique / figurative
☐ Lettrage pur (typographique uniquement)

5. Usages et contraintes

Formats nécessaires :
☐ Version couleur
☐ Version noir et blanc
☐ Version miniature (favicon / réseaux)
☐ Signature verticale / horizontale

Contraintes techniques :
(Lisibilité à petite échelle, impression sur papier, fond clair/sombre, adaptation web…)

Fichier final attendu :
(.AI / .SVG / .PNG / .JPG / .PDF selon usage)

6. Inspirations et moodboard

• Références graphiques aimées :
  (Captures, logos d’institutions, couvertures de revues, artistes, typographies, formes, textures…)
• Mots-clés d’inspiration :
  (Ex. : équilibre, pensée, fusion, lumière, connaissance, intuition, transmission, curiosité…)

7. Déroulement de création (pour l’accompagnement)

• Brief initial – Discussion sur les intentions et les valeurs.
• Recherche visuelle – Moodboard ou planche d’inspiration.
• Propositions graphiques – 2 à 3 pistes avec justifications.
• Affinage – Ajustement sur couleurs, typographie, symboles.
• Validation – Choix du logo final et déclinaisons.
• Remise des fichiers + mini-charte d’usage.

8. Option : Signature visuelle

Une version « logo + slogan / baseline » peut être ajoutée.
Exemples :

• “Entre art et raison”
• “La beauté des idées”
• “Explorer, comprendre, créer”

9. Univers visuel et symbolique préféré

Univers choisi :
☐ Artistique (peinture, musique, écriture, théâtre, etc.)
☐ Scientifique (maths, physique, biologie, astronomie, etc.)
☐ Philosophie / pensée / humanités
☐ Nature / cosmos / matière
☐ Technologie / innovation / futur
☐ Histoire / patrimoine
☐ Autre : ………………………………………

Ambiance souhaitée :
(ex. poétique, lumineuse, sobre, conceptuelle, futuriste, intemporelle, artisanale…)

Émotions ou impressions à transmettre :
(ex. curiosité, confiance, intelligence, sensibilité, équilibre, mystère…)

Références culturelles :
(ex. Léonard de Vinci, Bauhaus, surréalisme, astrophysique, mythologie grecque, etc.)

💡 Le logo : une signature visuelle, pas un simple dessin

Un logo, ce n’est pas qu’un joli symbole. C’est votre signature visuelle, celle qui va dire qui vous êtes, ce que vous transmettez et à qui vous vous adressez.
Pour un futur chef d’entreprise ou créateur de contenu, il a trois rôles essentiels :

• Identifier son activité : il rend son projet reconnaissable en un clin d’œil.
• Donner confiance : un logo professionnel inspire sérieux et stabilité, même si l’activité est encore jeune.
• Exprimer son univers : formes, couleurs, typographie… tout parle de sa personnalité artistique.

Votre logo, c’est un peu comme la première note d’un morceau, le premier coup de pinceau ou la première réplique sur scène : il donne le ton.

🚀 Pourquoi c’est utile dès le début

Beaucoup d’artistes pensent qu’un logo viendra plus tard, une fois que leur activité sera installée. C’est une erreur.
Dès que vous proposez les premiers cours, les premiers articles ou les premières photographies, que vous publiez sur les réseaux ou que vous communiquiez avec des élèves, votre image se construit.
Avoir un logo dès le départ permet de :

• être cohérent dans vos supports (affiche, site, réseaux, factures, certificat de formation…) ;
• créer un repère visuel pour vos lecteurs, élèves et partenaires ;
• Vous sentir légitime dans votre nouveau rôle d’enseignant, de journaliste ou de formateur.

🎯 Ce que représente un logo pour un artiste-formateur

Pour un jeune artiste qui se lance dans la formation, le logo devient le symbole de la transition :

• de l’artiste individuel vers le professionnel qui transmet ;
• du projet personnel vers une activité reconnue ;
• de la passion vers une démarche structurée et durable.

C’est un petit élément graphique, mais qui marque une grande étape : celle où votre art devient aussi un projet entrepreneurial.

🧭 Comment créer son logo sans se perdre

Pas besoin de gros budgets ni d’une agence. Voici quelques pistes :

• Commencez par votre univers : choisissez 2 ou 3 mots qui décrivent votre style artistique et l’ambiance de vos cours (ex. : “créatif”, “libre”, “apaisant”).
• Cherchez des inspirations visuelles : sur Pinterest, Behance ou des moodboards d’artistes.
• Testez des générateurs de logo simples comme Canva, Looka, Hatchful ou Adobe Express.
• Restez sobre : un logo efficace est souvent minimaliste. Il doit être lisible en petit comme en grand.
• Demandez un regard extérieur : faite-le valider par votre entourage ou un proche — le ressenti est souvent très juste.

Votre logo n’est pas un gadget. C’est le point de départ de votre identité professionnelle.
Il aide à vous présenter, à vous sentir légitime et à faire rayonner votre projet.
Que vous soiyez peintre, musicien ou danseur, si vous voulez enseigner votre art, votre logo est déjà une première œuvre… mais au service de votre nouvelle mission : transmettre.

1. Un parcours clair, sans détour

L’internaute doit comprendre en moins de 5 secondes :

• Ce que vous proposez (cours de peinture, coaching créatif, masterclass en ligne)
• Ce qu’il doit faire (acheter, s’inscrire, visionner une vidéo de démonstration)

👉 Cela suppose une page d’accueil épurée, avec un appel à l’action unique :

“Je découvre les cours” ou “Je m’inscris à la prochaine session”.

Les multiples boutons ou menus compliqués diluent le message. La règle : un objectif, une action.

2. Réduire les étapes de paiement

Chaque clic supplémentaire fait perdre des ventes.
Sur WordPress + WooCommerce, on peut :

• Activer le paiement en un seul écran (One Page Checkout)
• Proposer un compte invité (achat sans inscription préalable)
• Offrir un paiement rapide via Stripe, Apple Pay ou Google Pay

💡 Astuce : testez votre propre tunnel d’achat, comme si vous étiez un client. Si une étape vous agace, elle agacera vos visiteurs.

3. Rassurer au bon moment

Acheter un cours en ligne demande confiance.
Il faut donc :

• Afficher votre photo et une courte bio pour humaniser la vente
• Mettre en avant les avis d’anciens élèves
• Ajouter un petit encadré “Satisfait ou remboursé sous 7 jours” (même symbolique)
• Cette transparence réduit les hésitations et augmente le taux de conversion.

4. Penser “mobile first”

Plus de la moitié des achats se font depuis un smartphone.
Votre site doit :

• Charger rapidement
• Afficher des boutons visibles et faciles à cliquer
• Avoir un tunnel de paiement optimisé pour petit écran
• Un bon design mobile peut doubler le taux d’achat.

5. Créer une expérience fluide après l’achat

Simplifier, c’est aussi après la vente :

• Envoyer immédiatement un mail de confirmation clair avec accès au cours
• Fournir un lien direct vers l’espace de formation
• Proposer un suivi automatique (progression, prochaines dates, nouveautés)

Cela donne au client une impression de professionnalisme et incite à revenir.

💬 Simplifier, c’est faire gagner du temps, inspirer confiance et fluidifier le passage à l’action.

L’artiste-formateur n’a pas besoin d’un site complexe : il lui faut un site clair, fluide, rassurant et orienté vers un seul but — permettre à ses élèves de rejoindre son univers sans effort.

🧩 1. Commencer avec un objectif clair

• pour leur vendre mes formations ?
• pour les inspirer ?
• pour partager mon travail ?

📥 2. Choisir un outil de départ

🧱 3. Créer sa première “liste”

1. Créer une nouvelle liste ou audience (“Abonnés – Atelier Peinture” par exemple).
2. Ajouter deux champs seulement : prénom et adresse e-mail.
3. Paramétrer l’inscription double opt-in (confirmation par e-mail automatique).
4. Personnaliser la page de remerciement (“Merci ! Vous recevrez bientôt mes conseils exclusifs”).

📮 4. Collecter ses premiers abonnés (légalement)

a) Sur le site ou blog

b) Sur les réseaux sociaux

c) Lors des événements

d) Dans vos e-mails existants

✏️ 6. Gérer et enrichir sa base dans le temps

🚀 7. Transformer la base en moteur de croissance

• envoyez 1 e-mail toutes les 2 semaines (actualité, astuces, nouveautés)
• ajoutez un appel à action doux (“Découvrir mon nouveau cours en ligne”)
• analysez le taux d’ouverture et de clics (fourni par votre outil)